アーティストを目指す人なら誰でも知っていることですが、最も重要なことのひとつは、ただ練習することではなく、その効果的な方法を知ることです。 あなたの練習方法とその理由を教えてください。

コスモ・ブオノ先生のレッスンを受け始めてから、私の練習方法はとても洗練されたものになりました。自分の感情をもっと表現できるようになったし、ピアノを芸術として演奏することに集中できるようになったんです。 それまでは、ミスなしで演奏することが最低限求められるので、私はミスを恐れて、その楽曲を通じて表現したいと思っていることを思う存分表現することができないでいたのです。それは、「芸術」ではありません。ミスなしの演奏を求めるあまり、音楽の精神や作曲家の意図を十分に理解した、表現した、とは言えないものでした。

その後、私は作品を分析し、それを頭の中で組み立て直すことを学びました。単なる「互いに調和した音符の集まり」ではなく、「芸術作品」として演奏するために何が必要なのかを見極めるために、まず技術的にすべてを検証します。曲の雰囲気、書かれた歴史的な時代、あらゆる面から分析します。このような分析は、自分にとってその曲がより意味深いものになるし、聞き手にとってもより興味深いものにする力があると思います。

私はまた、新しく家具を揃えた部屋の中を誰かに案内するように、聴衆に新しい楽曲を見せる自分を想像するのも好きです。 私は、家の窓や高い天井、いわゆる「骨組み」、そして各部屋の家具であるカーテンや椅子、テーブルなどを指さすように、作品のさまざまな特徴を際立たせることを想像しています。つまり、まず全体を構造体として考え、それから各部屋にどんな家具が似合うかを決めていく感じ。 こうして練習しているとき、私は設計図（楽譜そのもの）を持つ建築家であり、どんな色が一番似合うかを決める布見本（解釈）を持つ装飾家でもあるのです。

練習をしながら、私は常にいくつかのことを試しています。そして、作品が最もうまくいくと思う方法を決定したら、解釈とメッセージの観点から演奏で披露したいことをすべて自分の中で決定し、それを練習に取り入れます。

ステージ上で楽譜を前にして演奏するアーティストをよく見かけますが、一般的には、すべてを暗譜して演奏するのが伝統ともされています。 文字通り、何十万もの音符をどうやって暗譜しているのですか？

実は昔から、楽譜を写真に撮るように記憶して、頭の中でその写真を見ながら演奏する癖があります。

また、どの楽譜にも、声、人物、テーマ、モチーフなど、さまざまな登場人物やニュアンスが絡み合っていて、とても興味深いのですが、これらすべてが暗譜を助けてくれます。波のような上下運動、休止、興味深いリズムなどはすべて取り出して確認し、それらをどのように解釈して表現すべきかを考える中で、暗譜がより確かなものになっていきます。私は作曲家が楽譜に盛り込んだすべてのものを分析し、なぜそこにそれがおかれているのかを考えるのが好きです。繰り返しますが、私は建築家が建物を見るのとほぼ同じように作品を研究します。作品全体の構造を決定する手がかりやアイデアを探し、建物内の細部のすべて、ニュアンスのすべて、レンガの様子さえ、それらが特定の方法で配置されている理由を理解しようと努力します。私にとって、この分析のプロセスが楽曲への理解度を深めるとともに暗譜にも大いに役立っているのです。さらに、非常にゆっくりと演奏してみることも同様の効果があります。徹底的な分析も、ゆっくり弾くことも、全体と細部を深く理解することと同時に暗譜に役立っているのです。

このような中で、もちろん身体も指も鍛えられていきますし、暗譜の精度も高まっていきます。そして、作品全体がより心地よくなり、私は、楽譜が必要なくなるまで、何度も何度も練習するのです。

ピアニストは楽曲だけでなく、スケール（音階）を練習するという話をよく耳にします。あなたがそうしているかどうか、またなぜそれがそれほど重要だと考えられているのか教えてください。

スケール（音階）を演奏するときはいつも、どんな曲でもより自由に演奏できるようになるためにということを念頭に置いて、テクニックの基礎としてマスターするよう心がけています。スケールやトリルなどのテクニックが磨かれれば磨かれるほど、技術的な実力が向上し、楽曲における自分の気持ちや表現したいことを可能な限り最大限に表現できると思います。ピアニストにとってスケールは薔薇にとっての土のようなものです。土壌が豊かであればあるほど、薔薇はより美しく健康になります。そして、良い土壌がなければ、薔薇はその可能性を最大限に発揮できません。

そのようなことを大切に、私は音から音へのつながりが切れ目なく演奏されるように、それぞれの指をできるだけうまく動かすよう本当に努力しています。

また、色とりどりの美しい絵の具で絵を描くように音色にも気を配り、それぞれの調性の個性をも感じられるように努めています。また、ピアノを弾けることに感謝しながら毎日練習しています。面白いことに、日によって調から感じられる気持ちや調に対する考えが変わることもありますし、いろいろなイメージや情景が思い浮かぶこともあります。いずれにせよ、最も大切なことは、ピアニストにとってのスケール練習は、「シェフにとっての新鮮で良い食材」と同じだということ。素材が良ければ良いほど、出来上がりも良くなりますからね。

ピアノを勉強している人たちに、コンサートピアニストを目指すのでなくても、テクニックを上達させるための最良の方法として、どのようなものを勧めますか？

演奏者ができる最善のことは、技術レベルに関係なく、すべてをできるだけ多くの部品に分解することだと思います。つまり、すべてをパズルのピースに見立てて、それをはめ込むのです。 最初にパズルに取り組むとき、まっすぐな角のピースを探しますよね、その次に似たような色や形を探し始める…。 その後、あるピースの形を見て、また別のピースの形を見て、それらが合うかどうかを確認していきます。

テクニックも同じです。 まず楽譜で鳴らしたい音を確認し、次に身体（腕、ペダルを踏む足、手、そして最終的にはそれぞれの指とその位置）がその音を出すために何をしなければならないかを確認しなければなりません。 その音を出すために身体が何をしているのかを十分にわかったら、それが自然にできるようになるまで何度も何度もやり続けるのです。

最近私が学んだことが、このプロセスに役立つかもしれません。「うまくできたから練習をやめるのではなく、間違えなくなるまで練習しなさい。 」これは、どんなレベルの演奏者にも役立つアイデアであり目標だと思います。